疫情海嘯的浪尖上,「數位」形塑成人類的另一種樣貌—專訪藝術家Kohei Kanomata

已更新:8月 29

在疫情當下,封城、停止社交活動、社交距離、長期待在自己的空間不能隨意出門等狀態,已是這個世代的新生活樣貌。而在這段變異的日常裡,藝術創作者不管是生理與心理都受到衝擊,但究竟他們是如何在這個動盪不安的環境下生存與創作;是怎麼看待疫情擴散後的世界;又是怎麼回應時代的變動。


本次專題將採訪來自世界各國的藝術創作者,分享他們在疫情時代下如何繼續生存、生活與創作。


橫跨兩千多公里的距離,與臺灣同為島嶼國家的日本,在今年二月時,疫情的海嘯早已以無聲的狀態衝擊日本全國,來自東京的Kohei Kanomata,以藝術家及策展人的角色,見證人類的生活從正常變為異常,異常又漸漸成為新日常的過程,並不斷在內心萌生一個又一個疑問,解構人與虛擬網路載體的關係。


儘管生活停止運轉,我還是不會停止提出疑問

“Keep questioning, keep asking and keep thinking”

在進行雲端的跨時空對談時,Kohei不斷在鏡頭前重複說出這段話,無論是談及自己為何對藝術產生興趣,到介紹他歷年來的創作作品,提出疑問,一直都是他走入「創作」的根源。


「當我在腦袋對一個議題思索超過三遍時,這就是個訊號,督促我去針對這個疑問進行探索和創作,」Kohei笑著說。


Kohei構思作品的手稿

大學念資訊設計(Information design),之後又遠赴英國中央聖馬丁藝術與設計學院(Central Saint Martins,CSM)就讀敘述性環境專業(Narrative Environments)的他,一路以來選擇的主題不外乎都跟藝術、設計與人文有關。但比起創造出美輪美奐或典型的視覺藝術作品,他更傾向把藝術當作一個媒介,探索人與人、萬物的連結,同時帶入社會議題。

Kohei回憶起第一次意識到藝術的瘋狂與多元,是15歲時與家人第一次到巴黎的龐畢度中心參觀,他說:「小時候其實我對藝術沒有什麼想像,直到我在龐畢度中心觀賞藝術家Chris Burden的表演藝術作品《Shoot》,深受震撼,他的行為讓我急欲想了解為什麼藝術家做這些事?為什麼他們要創作?」


與行為藝術教母Marina Abramovic同時期發展的Chris Burden,是美國七零年代以「身體」作為創作媒介的行為藝術先驅者。1971年,他在加州的一處藝廊表演驚世駭俗的《Shoot》——他邀請朋友在十三呎的距離對他開槍,過程中還不小心擊中他的左手臂。

這一枚集中Chris Burden的子彈,同時也擊中Kohei對藝術求知渴望的心,「我想要透過藝術刺激觀者,讓他們開始去思考生活中理所當然的人事物,」他說。



什麼是真實?什麼又是虛假?

於2020年東京展出的「In between medium」展覽,是Kohei在疫情期間嘗試的第一場線上展覽,內容綜合不同媒材及敘事形式的作品,並回扣到「什麼是真實?」這道問題。

“Internet makes who you are.”

當病毒席捲整個世界,人類的連結與活動瞬間被迫從線下轉為線上,所有連結與親密關係的建立都仰賴「數位網路」這股力量,一場針對“relationship”再定義的革命就此發生,並逐步扭轉人類的行為模式。


作品《Visual Howling》

然而,Kohei聚焦的不只是人與人之間如何在虛擬平台上維持關係,更好奇人與數位間的微妙連結,並看見人類逐漸流失定義自我的主導權,轉而被網路形塑出我們的樣貌,甚至還對數位上的真實性無庸置疑。


「例如網路商城亞馬遜,網站背後的數據運作會記得每一位消費者喜歡什麼樣的事物,並從而推薦適合的商品。我們是數位,數位成了另一個我們,」隨著當代科技與人類的親密關係,我們早已成為唐娜.哈洛威Donna Haraway提出的賽伯格。而身為賽伯格的我們,是不是早已把真實與虛擬的疆界給模糊化,甚至混合成一團我們深信不疑的世界?


作品《Visual Howling》

作品《Visual howling》便是對網路真實性提出疑問的一組作品,靈感源自Kohei對電腦螢幕所展示的圖像,他對著我們用調皮的口吻說到:「你不知道什麼是真的,或許我此時此刻沒有坐在電腦前,你們所看到的畫面是我預先錄好。」

在作品中,他將手機相機鏡頭移動到電腦的攝影機前,按下快門捕捉數位工具在凝視間所產生的流動波,並佐以短短的描述:“What’s real? Why live-streaming? You don’t even seen the actual images, but screens.”


「實際上我所展出的藝術品不全然是藝術品,我沒有做什麼事,就只是截取相機和電腦之間所產出的雜訊,但大眾只會覺得這是一個『視覺影像』,並非『螢幕』。我想透過這些影像,傳達人們是如何輕易地相信螢幕上的一切,並視之為真實,但其實我們不應該一直信任網路世界。」


作品《Visual Howling》

《ABC_text》則是在創作《Visual howling》後所延伸出的另一組作品。Kohei以26個英文字母作為一篇短篇文章的起點,並使用系統建議的預測字詞完成句子。


「當我輸入A時,鍵盤會根據我過往的書寫習慣與對話預測出我可能要選填的字詞,逐漸地我從這些預測字詞上認識到我的另一種面貌,可能其實是個正向的人等⋯⋯」Kohei從26個篇章挑選出三組文章,用不同媒材轉譯呈現,並寫下“The internet shapes us, so am I.”


作品《ABC_text》

對Kohei來說,這場線上展覽不只是展示他疫情時代下的數位網路探索之旅;更想在社交距離限制下,建立一個虛擬橋樑,重啟與人的連結。他設定展覽只開放給限定的親朋好友,同時針對每個受邀者的喜好客製化獨一無二的邀請頁面。

「我製作了大量的邀請函,每一個都是我設計,每一個都不一樣,只屬於每一個不同的你,」在線上所發生的談話是如此方便又容易,因此我們常常在虛擬的平台上感覺缺乏了點人性,而在Kohei的玩味下,重新創建出了一座具有親密感的網路型態、再塑了人際間的互動樣貌。


作品《ABC_text》

藝術擁有連結一切的潛能

Kohei說,他一直覺得自己不是一個典型的藝術創作者,反而是站在藝術之外從事創作。好比說他曾經針對倫敦的塗鴉藝術為創作主題,走訪一條條看似頹廢的街,粗糙的牆與非典型的視覺圖像間,探索在這面塗鴉的背後,有什麼樣人的住在此區域,他們有什麼樣的生活模式、文化與歷史。


當我們問起他是否是透過創作追尋答案,他說:

“It’s not about finding the answer, it’s more important to keep asking the answers.”

現在既是藝術家又是策展人的Kohei,即便日日流轉於創作與藝術家之間,他的所思所想卻從不侷限於此;而是不斷拓展自己的疆界,像ㄧ個人類學家般,不斷地向未知的領地邁進,以滿足內心從未停止過的好奇心。




文/ 鄭沛姍 Pei Shan Cheng

圖/ Kohei Kanomata 授權使用


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